La Machine Labkine

KURT JOOSS

daynac — 2022-04-27T13:27:45Z

Kurt Jooss est un danseur, chorégraphe et pédagogue allemand, fondateur de l'école Folwang à Essen, berceau du Tanztheater.

Danseur et chorégraphe allemand, né à Wasseralfingen (Wurtemberg) et mort à Heilbronn.
Après des études musicales et d'art dramatique au conservatoire de Stuttgart, Kurt Jooss rencontre Rudolph von Laban, avec qui il travaille jusqu'en 1923. Nommé « régisseur du mouvement » au Théâtre municipal de Münster (1924), il fait de nombreuses tournées en Allemagne avec la troupe de ce théâtre, Neue Tanzbühne ; il y rencontre son futur collaborateur Sigurd Leeder et le compositeur Fritz A. Cohen.
Il étudie ensuite la danse classique à Paris et à Vienne, puis fonde à Essen, avec Leeder, l'école Folkwang (1927) et le studio du théâtre de danse Folkwangbühne (1928). Maître de ballet à l'Opéra d'Essen (1930), il obtient le premier prix de la danse au concours des Archives internationales avec son ballet, pièce maîtresse de son oeuvre : La Table verte à Paris (1932).
Après ce succès, il accomplit plusieurs tournées à l'étranger avec sa compagnie, les Ballets Jooss. Refusant de rester dans l'Allemagne hitlérienne, il s'établit pour quinze ans (1934-1949) en Angleterre (il sera même naturalisé britannique) ; il y fonde une école à Dartington Hall puis une autre à Cambridge.
Pendant la guerre, en collaboration avec Leeder, il enseigne dans un centre, devenu international par la fréquentation d'élèves venus du monde entier, non seulement la danse, mais aussi la chorégraphie, l'art du décor et du costume et la cinétographie.
De retour à Essen, il y fonde une nouvelle école, qui sera dissoute en 1953. L'enseignement de Kurt Jooss a été considérablement influencé par le « delsartisme » français et par les principes émis par Rudolph von Laban ; il est, avec Marie Wigman, un des novateurs de la danse moderne. Il a mis au point un nouveau langage chorégraphique, résultant de l'alliance harmonieuse des techniques dites classiques et modernes ; il sort ainsi la danse de son académisme et lui donne un visage contemporain.
Bien que profondément musicien, il donne dans ses créations la prépondérance à la chorégraphie : le support musical n'intervient qu'au second degré, le décor subit le même sort.
Source : Encyclopédie Universalis

THOMAS LEBRUN

daynac — 2022-04-27T13:27:41Z

Thomas Lebrun est un chorégraphe français.

Interprète pour les chorégraphes Bernard Glandier, Daniel Larrieu, Christine Bastin et Christine Jouve, Thomas Lebrun fonde la compagnie Illico en 2000. Avec un répertoire riche de créations en France et à l'étranger, il a développé une écriture chorégraphique exigeante, alliant une danse rigoureuse à une théâtralité affirmée.

Depuis son arrivée au CCNT en 2012, il a diffusé un répertoire de 14 œuvres pour plus de 800 représentations en France (Théâtre national de Chaillot, Biennale de la danse de Lyon, Festival d'Avignon…) comme à l'étranger (Angleterre, Belgique, Brésil, Canada, Chine, Corée du Sud, Croatie, Équateur, Finlande, Japon Italie, Hong-Kong, Macao, Pays-Bas, Pérou, Russie, Suisse, Taïwan...).

Par ailleurs, Thomas Lebrun a co-écrit plusieurs pièces, notamment avec Foofwa d'Imobilité (Le show / Un twomen show), Cécile Loyer (Que tal !) et Radhouane El Meddeb (Sous leurs pieds, le paradis),

Il chorégraphie également pour des compagnies à l'étranger, comme le Ballet National de Liaonning en Chine (2001), le Grupo Tapias au Brésil (Année de la France au Brésil en 2009), Lora Juodkaité, danseuse et chorégraphe lituanienne (FranceDanse Vilnius 2009), 6 danseurs coréens dans le cadre d'une commande du Festival MODAFE à Séoul (FranceDanse Corée 2012), les danseurs de la compagnie Panthera à Kazan en Russie (FranceDanse Russie 2015) et la compagnie singapourienne Frontier Danceland (2017).

Parallèlement, il reçoit régulièrement des commandes. En juillet 2010, il répond à celle du Festival d'Avignon et de la SACD (Les Sujets à Vif) avec la création du solo Parfois, le corps n'a pas de cœur. De même, il chorégraphie et met en scène Les Fêtes d'Hébé, de Jean-Philippe Rameau, en mars 2017 pour l'Académie de l'Opéra national de Paris, présentées à l'Auditorium de l'Opéra Bastille à Paris et au Britten Theatre de Londres.

Pédagogue de formation, Thomas Lebrun place la transmission au cœur de sa démarche. Ainsi, il est intervenu entre autres au Centre national de la danse de Pantin et de Lyon, au Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris, à la Ménagerie de Verre, au Balletéatro de Porto, à la Formation du danseur interprète de Coline, au CNDC d'Angers...

Depuis 2018 et en lien avec le CDCN de Guyane et Tropiques Atrium, scène nationale de la Martinique, il développe « Dansez-Croisez », un projet d'échanges et de croisements chorégraphiques avec les artistes des territoires d'Outre-mer et de la Caraïbe en métropole et intervient en Guyane, Martinique, Guadeloupe et à Cuba.

En juin 2014, Thomas Lebrun a reçu le Prix Chorégraphie décerné par la SACD et, en mars 2017, a été nommé au grade de Chevalier de l'Ordre des Arts et des Lettres.

VASLAV NIJINSKI

daynac — 2022-04-27T13:27:37Z

Danseur étoile des Ballets russes de Serge de Diaghilev, Vaslav Nijinski fut, avec Michel Fokine, le brillant maître d'œuvre de la rénovation du ballet classique. La maladie mentale qui le frappa ajoute la dimension du drame à la destinée d'un artiste qui avait été sur scène l'incarnation même de l'élan vital.

Danseur russe. Issu d'une famille de danseurs polonais, il entre à l'École de danse de Saint-Pétersbourg en 1898 et se produit au Mariinski dès 1905, célèbre avant même d'être diplômé. Engagé en 1907, il est le partenaire de M. Kschessinska, N. Pavlova et T. Karsavina. Il est la coqueluche de la vie mondaine russe et rencontre en 1908 S. de Diaghilev dont il devient le protégé. Il participe en 1909, avec sa sœur Bronislava Nijinska, à la première saison des Ballets Russes, contribuant largement à son succès. Il se partage entre les deux compagnies, ne quittant le Mariinski qu'en 1911, après y avoir fait scandale avec un costume trop dépouillé dans Giselle. Adulé du public occidental, il crée les œuvres les plus célèbres de M. Fokine, et réalise sa première chorégraphie en 1912. En 1913, il épouse une jeune hongroise, Romola de Pulsky, dont il aura deux filles, Kyra en 1914 et Tamara en 1920. Ce mariage inopiné bouleverse Diaghilev, qui le licencie aussitôt. Une tentative de monter sa propre compagnie échoue à Londres en 1914. En 1916 et 1917, il est de nouveau engagé par Diaghilev pour les tournées américaines de la troupe, au cours desquelles il crée sa dernière chorégraphie, Till Eulenspiegel. À son retour, il s'installe en Suisse, où apparaissent les premiers signes de sa maladie mentale. Entre deux séjours à l'hôpital, il travaille à un système d'écriture de la danse, dessine, et commence à rédiger son journal, aujourd'hui publié. Il danse en 1919 un dernier solo terrifiant sur la guerre. Il sombre ensuite définitivement dans la folie et meurt à Londres en 1950 ; son corps est transporté en 1953 au cimetière Montmartre à Paris.
Passant inaperçu en société, doté d'un physique ingrat pour un danseur, avec sa petite taille et ses cuisses épaisses, Nijinski entre dans la légende à une époque où la danse masculine est peu appréciée en Europe occidentale. À la perfection de sa technique, marquée par une élévation et un ballon exceptionnels, il joint un pouvoir de séduction et de transfiguration scénique stupéfiants qui font de lui un véritable génie de la danse à la grâce inégalée. Inspirant à Fokine ses plus beaux ballets, il marque à jamais les rôles qu'il a créés, le plus souvent aux côtés de Karsavina. Poète romantique dans les Sylphides, Esclave sensuel dans Schéhérazade, bondissant Arlequin dans Carnaval, douloureux Pantin dans Petrouchka, Fleur androgyne dans le Spectre de la rose, il investit chaque personnage avec une justesse et une plénitude qui emporte le public dans un émerveillement sans cesse renouvelé.
Chorégraphe, Nijinski tourne le dos à la danse qui a fait sa gloire et élabore, avec l'appui de Diaghilev, des œuvres qui déconcertent le public (Jeux), ou le scandalisent (L'Après-midi d'un faune, Le Sacre du printemps). Lent à créer, il ne sait pas se faire comprendre des danseurs, hostiles à une danse si étrangère à leur formation, mais bénéficie de l'assistance constante de sa sœur. Écartant toute virtuosité, il sculpte les corps dans une gestuelle différente pour chaque ballet, totalement originale, et dont seuls quelques artistes (A. Rodin, J. Cocteau, Valentine Hugo entre autres) apprécient la valeur artistique et la puissance d'expression. Comète au destin tragique, son personnage hante l'imaginaire de nombreux artistes, comme M. Béjart qui en donne sa vision dans Nijinski, clown de Dieu.

Source : Marie-Françoise Bouchon sous la direction de Philippe Le Moal, Dictionnaire de la danse, Larousse, 1999

ISADORA DUNCAN

daynac — 2022-04-27T13:27:34Z

La danseuse et chorégraphe américaine Isadora Duncan, pionnière absolue de la danse moderne, incarne, à son époque, une liberté nouvelle, non seulement pour l'art chorégraphique mais également pour la condition féminine.

Isadora Duncan a été un objet de fascination totale pour ses contemporains. Venue de l'autre côté de l'océan, cette danseuse aux pieds nus, sans corset, a sidéré le public de la Belle époque par son audace, sa manière de danser, sa soif de liberté et son esprit révolutionnaire".
"Cette pionnière de la danse moderne a trouvé dans le mouvement des vagues une source d'inspiration pour son art. Née au bord de l'océan Pacifique, Isadora, enfant, contemplait des heures durant les mouvements de la mer".

Suivant son idée maîtresse : « danser, c'est exprimer sa vie intérieure », Isadora Duncan prône la danse « naturelle », liée à la respiration, et introduira le principe de la « gravité ». Elle veut retrouver le rythme des mouvements innés de l'homme.

Il n'existe qu'une seule vidéo de la danseuse Isadora Duncan en action, datant des années 1910. Nous avons par contre accès à l'ensemble de ses pièces notées en cinétographie Laban et compilées dans l'ouvrage de Nadia Chilkovsky Nahumck, "Isadora Duncan : Les Danses" (Washington DC : Le Musée national des femmes dans les arts, 1994.)

Isadora Duncan nait à San Francisco en 1877.
C'est en voyageant en Europe à partir de 1899 qu'Isadora Duncan va rencontrer la danse et connaître succès et notoriété. Elle est aidée à Paris par la grande danseuse et chorégraphe de cette époque Loïe Fuller qui l'accueille dans sa compagnie à partir de 1902. Isadora Duncan se fait alors remarquer dans les salons artistiques de Londres, Paris, Berlin et Munich.

Pieds nus, vêtue de fausses tuniques grecques, elle crée un style primitif basé sur l'improvisation chorégraphique pour aller à l'encontre des styles rigides de l'époque. Elle rejette les pas de ballet traditionnel pour mettre en valeur l'improvisation et l'émotion. Isadora Duncan pense que le ballet classique, avec ses règles strictes et ses codifications, est « laid et contre nature ». Elle est également l'une des premières à s'affranchir de la musique et à trouver sa propre musicalité interne.

Elle révolutionna la pratique de la danse par un retour au modèle des figures antiques grecques. Par sa grande liberté d'expression, qui privilégiait la spontanéité, le naturel, l'harmonie du corps, elle apporta les premières bases de la danse moderne européenne, à l'origine de la danse contemporaine.

Un nombre très important de personnes se rallient à sa philosophie, ce qui lui permet d'ouvrir plusieurs écoles en Europe et d'y enseigner.

D'après Serge Lifar, la « danse nouvelle », invoquée par Isadora, est « une prière et ses mouvements doivent diriger leurs ondes vers le ciel en communiquant au rythme éternel de l'univers ».

Pour elle, il s'agit en effet surtout d'un renouveau spirituel, personnel et collectif. Elle déclare être venue en Europe « pour amener une renaissance de la religion au moyen de la danse, pour révéler la beauté et la sainteté du corps humain par l'expression de ses mouvements, et non pour distraire après-dîner des bourgeois gavés ».

Son importante influence inspire de nombreux artistes et auteurs dans leurs créations. Lorsque le théâtre des Champs-Élysées est construit en 1913, son portrait est gravé par Antoine Bourdelle dans les bas-reliefs situés au-dessus de l'entrée.

En 1922, afin de montrer son adhésion à l'expérience sociale et politique de la nouvelle Union soviétique, elle décide de s'installer à Moscou.
Elle mourra tragiquement quelques années plus tard en 1927 de retour en France.

Isadora Duncan est auteur de son autobiographie Ma vie, traduit de l'anglais par Jean Allary, éditions Gallimard, 1928.

PETER VAN DYK

daynac — 2022-04-27T13:27:30Z

« Je suis passé souvent du concret à l'abstrait, du tragique au léger, cependant j'avoue que je préfère les ballets développant un thème, une ambiance et pas nécessairement une action. » Peter Van Dyk

Peter Van Dyk débute sa carrière de danseur en 1946 à l'Opéra de Berlin Est, puis à l'Opéra de Berlin Ouest (1950-51), à Wiesbaden puis entre à l'Opéra de Paris en 1955 comme danseur étoile.
Assurant dès 1962 des fonctions de maître de ballet, il termine sa carrière d'interprète à Hambourg (1960-70).
Il se consacre ensuite à l'enseignement et la chorégraphie. Il est professeur au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris de 1992 à 1994.

WILFRIDE PIOLLET-GUIZERIX

daynac — 2022-04-27T13:27:28Z

Wilfride Piollet était une danseuse étoile française, chorégraphe et grande pédagogue auteur de la technique novatrice en matière de compréhension du mouvement : les barres flexibles.

De 1945 à 1955 Wilfride Piollet suit les cours de l'école Irène Popard, puis entre à l'école de Danse de l'Opéra de Paris
Maurice Béjart lui confie son premier rôle de soliste dans Noces en 1965, puis elle est nommée danseuse étoile en 1969 dans Etudes de Harald Lander.
À l'Opéra et dans le monde entier, elle interprète les grands rôles du répertoire classique avec, entre autres partenaires, Rudolf Noureev, Cyril Atanassoff, Fernando Bujones.
Elle forme avec Jean Guizerix un couple pour la danse et la vie qui s'ouvre aux créations contemporaines de Merce Cunningham, Lucinda Childs, Douglas Dunn, Andy Degroat, Félix Blaska, Dominique Bagouet, Daniel Larrieu.
Elle se distingue dans les œuvres néo-classiques de George Balanchine, Jerome Robbins, Serge Lifar, Maurice Béjart, Roland Petit.
À partir de 1977, elle signe ses propres chorégraphies, parmi lesquelles Le Prince de Bois, Huit danses hongroises, Renard, Lettera Amorosa, Dam'Oisel, Momerie. En 1986, elle crée Atys sous la direction de Francine Lancelot.
De 1986 à 2003, avec Jean Guizerix, elle anime la Compagnie Piollet-Guizerix afin de présenter des programmes d'œuvres de petite forme (Gondolages, Giselle échappée, L'éléphant et les faons, Tierce galante.)
De 1989 à 2008, elle enseigne sa méthode ainsi que le répertoire classique au Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris.
Elle réalise une série de petits livres destinés aux enfants et leurs professeurs : Les gestes de Lilou qui sont mis en ligne sur le net en 2008 et publiés au sein du site lesbarresflexibles.fr
À partir de 1990, elle reconstruit certains grands ballets du répertoire (Coppélia) et continue la création chorégraphique sous des formes diversifiées (Le petit Atelier, Romance), avec, en 2005, L'Amour médecin pour la Comédie-Française, et Anonymes, en 2006, pour l'Ecole Nationale des Arts du Cirque de Rosny avec Jean Guizerix.
De 2009 jusqu'à sa mort, elle travaille très régulièrement avec le conservatoire à rayonnement régional de Strasbourg (spectacles, conférences, pédagogie auprès de Chantale Chazée).
Après avoir pu vivre une dédicace de ses derniers ouvrages à la libraire de l'Opéra, elle décède le 20 janvier 2015 d'un cancer d'origine mal déterminée, métastasé dans les os.
Elle repose au cimetière de Poissy, ville des bords de Seine où elle vécut dès 1971.

JEAN GUIZERIX

daynac — 2022-04-27T13:27:24Z

Jean Guizerix est un chorégraphe et danseur étoile français.

Il se présente à une audition de l'Opéra de Paris où il est engagé en 1964.
En 1969, Roland Petit lui confie son premier rôle de soliste au Palais Garnier. Il est nommé danseur étoile en 1972.
Lors de la venue de Merce Cunningham au Palais Garnier en 1973, pour la création d'Un jour ou deux, Jean Guizerix travaille avec le chorégraphe dont il a suivi les recherches lors d'un voyage aux États-Unis. Il est parmi les interprètes que choisissent George Balanchine pour Agon, Jerome Robbins pour En Sol. Il est le partenaire de Rudolf Noureev dans La Pavane d'un Maure, de José Limón au Palais des Sports en 1974.

A l'Opéra, il prend part aux créations mondiales de Glen Tetley, John Butler, Brian MacDonald, Félix Blaska, Oscar Araïz, Youri Grigorovitch, Rudolf Noureev, Alwin Nikolais, Lucinda Childs, Douglas Dunn, Karole Armitage, Andy Degroat, Dominique Bagouet. Il danse ce répertoire, souvent aux côtés de Wilfride Piollet, qui devient sa femme en 1971.

Jean Guizerix, tout en poursuivant sa carrière d'étoile, construit une œuvre de chorégraphe ouverte au monde contemporain : O Tod, Oarystis, Hélios, Comme un souffle, Oiseaux tristes, Ondine, Tristia, Histoire du soldat, Afin qu'il n'y soit rien changé, Grange, Mnémosyne, La Conjuration (René Char), Penthésilée, Double je (Prix Carpeaux 1985).

Il contribue à l'intégrale d'Erik Satie à l'Opéra-Comique (1970) et met en scène Mavra d'Igor Stravinski, ainsi que son cycle de Mélodies avec l'École d'Art lyrique (1987). Il participe aux reconstitutions baroques de Francine Lancelot : Quelques pas graves de Baptiste en 1985 et Atys en 1987, tout en dansant Antony Tudor ou Twyla Tharp.

En 1986, il crée avec Wilfride Piollet une compagnie avec, pour répertoire, des œuvres signées Jerome Robbins, Merce Cunningham, George Balanchine, Jiří Kylián, José Limón, Yvonne Rainer, Francine Lancelot, Daniel Larrieu ou Andy Degroat.

Il crée en 1994 Les sept dernières paroles du Christ de Joseph Haydn, chorégraphiées par Christine Bastin, Mark Tompkins, Michel Kéléménis, Dominique Boivin, François Raffinot, François Verret, Andy Degroat, Daniel Larrieu, au festival de danse à Aix.

Il signe les chorégraphies de plusieurs ouvrages lyriques à l'Opéra Bastille : Les Noces de Figaro, Manon, La Dame de pique, Idoménée.

En juillet 1996, il présente sur la scène de l'Opéra Garnier un travail sur le répertoire du début du XIXe siècle : Cahiers 1830 d'Arthur Saint-Léon.

Grand Prix national de la Danse 1984, il est nommé Chevalier de l'Ordre national du Mérite en 1989.
De 1990 à 1998, il enseigne au Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris.
En 1997, il est conseiller pour la danse au Ministère de l'Éducation nationale.
Entre 1998 et 2000, il est maître de ballet à l'Opéra de Paris.
Il est Officier des Arts et des Lettres (2001).
En janvier 2003 il est nommé directeur artistique du Ballet du Nord pour une période intérimaire de quelques mois.
Il participe à la chorégraphie de diverses mises en scène (Spectacle Molière à la Comédie-Française, Orphée aux Enfers et La Traviata à Dijon). Il crée le ballet Justamant-Pas en 2004 et met en piste Anonymes pour les étudiants de l'Ecole du Cirque de Rosny en 2006.
Depuis 1997, il est professeur au Centre National des Arts du Cirque.

Il est également l'auteur de plusieurs ouvrages, il a notamment écrit "Parallèle" en 1986, "le Moulin de Jerry", édition Sens et Tonka publié en 2003 et "Livret de Giselle" par Théophile Gautier aux éditions L'une et l'autre en 2012.

HÉLA FATTOUMI & ÉRIC LAMOUREUX

daynac — 2022-04-27T13:27:21Z

Héla Fattoumi et Éric Lamoureux ont une place à part dans le paysage chorégraphique contemporain. Dès leur première pièce, Husaïs couronné du prix de la 1re œuvre au concours international de Bagnolet en 1990, suivie du trio Après-midi prix Nouveaux Talents Danse de la SACD en 1991, ils sont propulsés parmi les leaders d'une nouvelle génération de créateurs et obtiennent une reconnaissance internationale, scellant une complicité artistique sans faille. En quête d'une « identité – relation » où se confrontent et s'entrelacent leurs particularités, ils enrichissent leur démarche et les œuvres qui en résultent grâce à de nombreuses collaborations transdisciplinaires.
De pièce en pièce, Ils déploient une étendue de recherche en sondant inlassablement, l'intelligence sensible du corps, les contextes d'émergence de la danse, les potentialités physiques, expressives et poétiques de la présence des corps dans l'espace.

Héla Fattoumi et Éric Lamoureux fondent la Compagnie FATTOUMI/LAMOUREUX en 1988.
Durant cette première période plusieurs pièces marquantes voient le jour dans la continuité d'Husaïs : Si loin que l'on aille ; Fiesta (Commande du Festival d'Avignon, 1992) ; Asile Poétique ; Wasla, Ce qui relie… (Biennale de Lyon, 1998) ; Vita Nova (Grande Halle de la Villette, 2000) avec la 11ème promotion du Centre National des Arts du Cirque.

Nommés à la direction du CCN de Caen/Basse-Normandie en 2004, ils poursuivent alors leur démarche à travers des pièces plus portées sur des sujets à forte tonalité sociétale. Ce seront La Madâ'a (Arsenal de Metz, 2004) ; Pièze et La danse de Pièze (Festival Dialogue de corps, Ouagadougou, 2006 et Théâtre de la Bastille) ; Just to dance… (Espace des Arts de Chalon-sur-Saône, 2010) ; MANTA, solo créé au Festival Montpellier Danse 2009 ; Masculines (Arsenal de Metz, 2013).

Depuis 2015, Héla Fattoumi et Éric Lamoureux sont à la tête du CCN de Bourgogne Franche-Comté à Belfort, qu'ils ont renommé VIADANSE. Pas moins de 8 pièces ont été créées : deux grandes formes (OSCYL et AKZAK), deux formes in-situ modulables (OSCYL Variation, AKZAK Variation), une pièce jeune public (SWING Museum) ; une pièce en lien avec les musiques actuelles (SYMPATHETIC MAGIC) ; deux formes légères en lien avec les arts plastiques (Superpose, EX-POSE(S)).

À l'occasion des 30 ans de la Cie Fattoumi-Lamoureux en 2020-2021, différents projets rétrospectifs et de transmission permettent de re-découvrir le répertoire de la compagnie et de le faire vivre à travers une nouvelle génération de danseurs : le livre La Part de Femmes (Anne Pellus, Photos Laurent Philippe, Nouvelles éditions Place) ; le documentaire Danser sur les Frontières autour du processus de création d'AKZAK (Elise Darblay, Easy Tiger Production) ; des projets de transmission de répertoire en Égypte et en France autour des « pièces de jeunesse » voient ainsi le jour.

Ils créent le festival Danse d'Ailleurs de 2005 à 2015 véritable focus sur des artistes issus du vaste et divers continent Africain mettant en perspective la notion d'universalisme en questionnant les cadres référents de la modernité en art selon les horizons culturels.

Héla Fattoumi et Éric Lamoureux sont fortement engagés dans différentes instances à la promotion et à la défense de l'art chorégraphique.

BÉATRICE MASSIN

daynac — 2022-04-27T13:27:18Z

C'est de son premier parcours artistique en danse contemporaine que Béatrice Massin puise clairement la volonté de mettre en vis-à-vis les concepts qui l'ont initialement nourrie avec ceux de l'art baroque qu'elle découvre ultérieurement. Ainsi, sa démarche est profondément liée au fait qu'elle ne peut concevoir son projet de chorégraphe à l'extérieur du paradigme de l'art actuel.
Depuis la création de la compagnie Fêtes Galantes, sa démarche se situe au point d'équilibre singulier des forces créatrices d'hier et d'aujourd'hui.

Chorégraphe, spécialiste de la danse baroque, Béatrice Massin est tout d'abord danseuse contemporaine, notamment interprète des spectacles de Susan Buirge. En 1983, elle rencontre Francine Lancelot et intègre la compagnie Ris et Danceries. Elle y est successivement interprète, assistante, collaboratrice et chorégraphe. En 1993, elle fonde la compagnie Fêtes galantes et y créée : Pimpinone, Que ma joie demeure, Un Voyage d'Hiver, Songes, Un air de Folies, Terpsichore, La Belle au bois dormant...plus récemment Mass b, Fata Morgana et ABACA. Elle se glisse avec Bruno Bouché en 2021 dans la création d'Offrande imaginée par Mié Coquempot. Elle prépare actuellement Requiem, une fête de la mort joyeuse pour 12 danseurs dont la création est prévue en novembre 2022 au Théâtre de Saint-Quentin en Yvelines.
Elle reçoit des commandes : Le roi danse, film de Gérard Corbiau (1999) ; Le Loup et l'Agneau (2004) ; En Piste à la demande de Daniel Larrieu, Dominique Boivin et Pascale Houbin (2012) ; (2013) avec Nicolas Paul, D'ores et déjà pour le Tricentenaire de l'École de danse de l'Opéra national de Paris ; (2016) pour les élèves de la formation du CNDC Le bal des kaleïdoscopes ; (2018) Vivaldisco pour le cycle EtuDiANSE du CNSMDP ; (2020) Le Joueur de Flûte, commande du CCN/Ballet de l'Opéra national du Rhin pour le jeune public, qui sera créé finalement en 2022.
Forte de ses multiples expériences depuis plus de 25 ans, Béatrice Massin est aujourd'hui le « moteur » d'un ensemble d'activités déployées à partir de sa démarche artistique.
Depuis 2003, l'important volet de transmission au sein de Fêtes Galantes nourrit l'Atelier baroque et aboutit en 2012 à la réalisation du premier DVD consacré à la danse et à la musique baroques.
Béatrice Massin invente en 2018, La Fabrique des Ecritures pour convier des chorégraphes différents d'elle à s'emparer des matières baroques au travers des corps des interprètes de sa compagnie. Mickaël Phelippeau en a été le premier invité avec LOU, Gaëlle Bourges est la seconde avec Loulou (la petite pelisse), créée en janvier 2022 au TAP de Poitiers.

AINA ALEGRE

daynac — 2022-04-27T13:27:15Z

Dès ses premières créations, Aina Alegre a envisagé son art comme un moyen de réinventer le corps, et la scène comme un laboratoire physique à la croisée des disciplines, questionnant les rituels et représentations sociales. Si différents soient-ils, ses spectacles sont traversés par un geste récurrent : celui de frapper, de marteler. Aina Alegre en a tiré un moteur chorégraphique puissant.

Aina Alegre danseuse, performeuse et chorégraphe s'intéresse à la création chorégraphique comme un terrain pour « réimaginer » le corps. Elle explore différentes cultures et pratiques corporelles, entendues comme autant de représentations sociales, historiques et anthropologiques.
La fiction en tant que genre et pratique culturelle nourrit aussi son travail. Elle pense le corps dans des environnements fictionnels et travaille autour de notions comme l'hybridation, la plasticité du mouvement, l'état de présence et l'expérience du temps afin de générer des corpus d'images, d'idées, de concepts.
Elle articule ainsi des objets chorégraphiques construits à partir de différents médias : des pièces pour le plateau, des performances, des vidéos.
En tant qu'interprète, elle a collaboré, entre autres, avec Alban Richard, Fabrice Lambert, David Wampach, Vincent Thomasset, Vincent Macaigne.

Après une formation multidisciplinaire mêlant la danse, le théâtre et la musique à Barcelone, Aina Alegre intègre, en 2007, le CNDC d'Angers.
En 2011 elle crée la performance LA MAJA DESNUDA DICE, cette proposition aboutit à la création de la pièce NO SE TRATA DE UN DESNUDO MITOLOGICO (2012). Par la suite elle crée DELICES (2015), LE JOUR DE LA BETE (2017), et LA NUIT NOS AUTRES (2019). En 2020 elle crée la pièce CONCRERTO en collaboration avec David Wampach et le solo R-A-U-X-A.

Parallèlement aux projets scéniques, elle met en place le projet de recherche et de performance ETUDES avec lequel elle rencontre des gens et des territoires autour des pratiques et danses liées au marteler/frapper.

Son travail a été présenté dans différents pays comme l'Espagne, la France, la Belgique, la Suisse, le Pérou ou encore la Roumanie.